I Mondi di Oscar Wilde/Capitolo 33

Vita di Wilde: Oscar al cinema

Per approfondire su Wikipedia, vedi le voci Wilde (film), Filmografia su Oscar Wilde e Template:Oscar Wilde.

Stephen Fry ha interpretato Oscar Wilde sullo schermo, in Wilde (1997)

Jude Law ha interpretato Lord Douglas nel film Wilde del 1997

Tom Wilkinson interpreta la parte del Marchese di Queensberry nel film Wilde (1997)

Peter Finch interpreta Wilde in The Trials of Oscar Wilde (1960)

Robert Morley nel 1960 ha interpretato il film Oscar Wilde

Rupert Everett interpreta Lord Arthur Goring nel film An Ideal Husband del 1999

Cosa, ci si chiede, avrebbe pensato Oscar Wilde delle altre vite che la sua scandalosa carriera e le sue opere controverse e brillanti hanno goduto – se questa è la parola giusta – sullo schermo? Se fosse riportato in vita oggi – tenendo conto dell'inevitabile shock culturale delle nuove tecnologie che non vide mai – forse la sua reazione sarebbe stata di sorpresa per il fascino duraturo delle sue opere teatrali e della sua narrativa, oltre un secolo dopo la sua "morte". Perché Wilde avrebbe saputo meglio di chiunque altro che lo scandalo che lo aveva fatto cadere avrebbe contaminato il suo nome e pregiudicato l'accoglienza della sua opera per molti anni. Come hanno notato critici e biografi, una conseguenza della prigionia di Wilde fu che la pubblicazione e la produzione delle sue opere furono severamente limitate. Joseph Bristow commenta: "After his reputation collapsed on 25 May 1895, when he was sent to jail for two years in solitary confinement with hard labour for committing acts of ‘gross indecency’ with other men, he seemed fated to be consigned to perpetual obscurity".

Nonostante questi inizi poco promettenti, la resurrezione di Wilde nel ventesimo secolo è stata registrata in modo significativo negli adattamenti della sua vita e delle sue opere per il cinema. Come sostiene Francesca Coppa, citando la teoria di Alan Sinfield sulle "faultlines" o "contested aspects of our ideological formation" — "throughout the twentieth century Wilde stood at the center of a veritable earthquake, and representations of him were affected by the rocks that slipped and slid beneath his feet". Tuttavia, come ci ricorda Coppa, "these representations of Wilde tell you more about the artist’s time than about Wilde’s. Wilde is arguably more famous as a dramatic character than as a dramatist". L'attenzione di questo mio Capitolo sarà sui recenti adattamenti della vita e delle opere di Wilde, a partire da Wilde di Brian Gilbert, uscito nel 1997. Sosterrò che lo scandalo che circonda la vita di Wilde ha permeato molti aspetti dell'adattamento cinematografico delle sue opere, anche se non sempre in modi ovvi.

Ciò non significa che gli adattatori moderni di Wilde siano emersi dal nulla. Le prime versioni cinematografiche delle opere di Wilde erano state popolari, come la versione del 1916 di Lady Windermere’s Fan, seguita dal film del 1925 di Ernst Lubitsch della stessa opera. Il periodo successivo alla seconda guerra mondiale vide un forte rinnovamento dell’interesse per Wilde e le sue opere, tra cui il memorabile adattamento di Albert Lewin di The Picture of Dorian Gray (1945), con Hurd Hatfield nel ruolo del titolo e George Sanders in quello di Lord Henry Wotton. Oltre a rappresentare Sibyl Vane, uno dei primi ruoli cinematografici di Angela Lansbury, questo film introdusse un nuovo interesse amoroso femminile per Dorian, nella persona della nipote di Basil Hallward, Gladys, che si assicurò che la sua libido rimanesse orientata eterosessuale dopo la tragica scomparsa di Sibyl. Questa aggiunta inevitabilmente diminuì le tensioni omoerotiche tra i tre uomini, che avevano attirato l'attenzione ostile dei critici vittoriani alla prima pubblicazione del romanzo sul Lippincott's Magazine nel 1890.

L'adattamento del 1952 di Anthony Asquith di The Importance of Being Earnest si basava su una produzione teatrale londinese di successo, in cui Edith Evans interpretava il ruolo di Lady Bracknell. Nonostante la sua scena iniziale audace di Jack – interpretato da Michael Redgrave – nudo nella vasca da bagno, il film rimase molto fedele ai dialoghi e alle location della produzione teatrale e non si soffermò sui brividi erotici tra Jack e Algy. La prova che Wilde basava l'intimità a volte tesa dei suoi protagonisti sulla sua relazione con Douglas è evidente nella sua scelta originale di "Lord Alfred" come nome dell'amico di Jack nel manoscritto, sebbene questo personaggio si sarebbe poi trasformato in Algernon Moncrieff.

Due film usciti nel 1960 portarono alla ribalta il tema più cupo della condanna e dell'imprigionamento di Wilde. Oscar Wilde, con Robert Morley nel ruolo di Wilde, e The Trials of Oscar Wilde, con Peter Finch nel ruolo del protagonista, identificarono entrambi il processo di Wilde come il fulcro drammatico della sua vita, stabilendo la distruzione pubblica della sua reputazione come il tragico telos della carriera di Wilde. Significativamente, le leggi che criminalizzavano l'omosessualità utilizzate per condannare Wilde erano ancora in vigore quando furono realizzati questi film e non furono abrogate fino al Sexual Offences Act del 1967.

Uno degli adattamenti più innovativi di Wilde apparve nel 1987, con Salome’s Last Dance di Ken Russell, che portò nuova attenzione a una delle opere trascurate di Wilde. L'adattamento di Russell è più notevole per la sua cornice narrativa, in cui Oscar Wilde, interpretato da Nickolas Grace, arriva al bordello maschile di Alfred Taylor per assistere a una rappresentazione di Salome tenuta in camera. Il ruolo di Salomè è assunto da una delle domestiche di Taylor (interpretata da Imogen Millais-Scott), mentre Giovanni Battista è assunto da Lord Alfred Douglas (interpretato da Douglas Hodge).

Il rientro di Wilde nel cinema mainstream, dopo l'assenza di una generazione, avvenne nel 1997, con il film Wilde di Brian Gilbert. Basato sulla biografia del 1987 di Richard Ellmann, questo film ha ristrutturato la vita di Wilde per adottare un approccio non convenzionale al suo argomento. La sequenza di apertura presenta Wilde in un contesto non familiare: negli Stati Uniti, con Oscar (interpretato da Stephen Fry) che cavalca verso le Matchless Silver Mines a Leadville, Colorado. Qui, dopo essere stato accolto con entusiasmo dai cowboy, Wilde scende nella miniera per tenere una conferenza ai minatori sull'argentiere e artista rinascimentale Benvenuto Cellini. La scena è un capolavoro di incongruenza, con il dandy Wilde che riceve liquore da un bel minatore a torso nudo, prima che, nell'informare il pubblico che Cellini è morto, gli venga chiesto "who shot him?".

Nonostante questa apertura umoristica e innovativa, il film di Gilbert rimane legato all'immagine di Wilde il criminale, prefigurando visivamente il futuro carcerario del suo soggetto. Significativamente, la discesa di Wilde nella miniera d'argento, uno spazio molto angusto, privo di luce naturale, anticipa la sua successiva prigionia, dove sarebbe stato costretto a svolgere lavori manuali. Mentre Wilde viene calato nella gabbia, guarda malinconicamente il cielo che scompare come se percepisse la sua perdita di libertà. Questo è un esempio lampante di come la condanna e la prigionia di Wilde per "gross indecency" funzionino come il telos del film di Gilbert, anche in scene ambientate molto prima nella vita dello scrittore. In effetti, un terzo delle due ore di durata del film è dedicato all'accusa di "sodomy" rivolta a Wilde dal marchese di Queensberry (interpretato da Tom Wilkinson) e ai successivi processi a Wilde per "grave indecenza". In questa enfasi, il film di Gilbert riecheggia i due film del 1960 che hanno messo Wilde, letteralmente, sul banco degli imputati.

Tuttavia, il film di Gilbert suggerisce un filone intrigante nella vita di Wilde che lo ha portato alla sua catastrofica esposizione in aula di tribunale. Si tratta del persistente desiderio di Wilde per l'incarnazione di un ideale maschile — un mix di desiderio estetico e sessuale, che comprende bellezza e intelletto. In una scena sorprendente del film, Wilde viene mostrato mentre esce da un negozio a Londra dove è andato a fare shopping con la moglie e chiama un taxi: attira l'attenzione di uno degli aitanti "renters" maschi per strada, la cui domanda, "Are you looking for someone?", combinata con lo sguardo silenzioso e desideroso di Wilde verso di lui, indicano che Wilde è effettivamente alla ricerca di questo ideale maschile. Tale ricerca di un ideale di bellezza maschile si realizzerà in Lord Alfred Douglas, interpretato da Jude Law (cfr. immagini a lato), e diverse scene chiave del film sottolineano la felicità di Wilde in compagnia di Douglas. Tali scene compensano la rappresentazione negativa della relazione durante la crisi di Wilde alla fine del film.

Dato il vasto interesse per i collegamenti tra la vita di Wilde e la sua opera, non sorprende che il successo critico del film di Gilbert sia stato seguito da una serie di adattamenti dei testi letterari di Wilde. Dopo due adattamenti rivali di An Ideal Husband nel 1999, diretti rispettivamente da Oliver Parker e Bill Cartlidge, il capolavoro di Wilde The Importance of Being Earnest è stato riportato sullo schermo da Parker nel 2002. Il regista inglese ha completato la sua trilogia di adattamenti di Wilde con Dorian Gray nel 2009. Mi concentrerò qui sugli adattamenti di Parker, non perché siano necessariamente i più riusciti o innovativi, ma perché c'è uno schema nel loro approccio a Wilde che ci consente di esplorare un aspetto significativo della ricezione contemporanea dell'autore.

An Ideal Husband si concentra sulla corruzione politica, il ricatto e il tentativo di sopprimere gli aspetti scandalosi del proprio passato, tutti argomenti che avevano un significato personale per Wilde e la sua vita sessuale nascosta. Tuttavia, il tema politico dell'opera – che coinvolge il protagonista Sir Robert Chiltern nella vendita di un segreto governativo che ha permesso a un intrigante straniero, il barone Arnheim, di fare fortuna in Borsa – le conferisce anche una rilevanza contemporanea. Come sottolinea John Sloan, l'opera è rimasta di attualità negli anni Novanta "as fresh scandals undermined public confidence in the British political system’ and Parker’s adaptation ‘emphasized the play’s contemporary relevance... by drawing attention to the dominance of commercial interests at the end of both centuries".

Il film introduce un cambiamento significativo nell'opera di Wilde drammatizzando il discorso di Chiltern al Parlamento in cui condanna il progetto del Canale Argentino, di fronte alla minaccia della signora Cheveley di esporre il suo scandaloso passato a meno che non lo sostenga pubblicamente. Nell'opera di Wilde, il discorso avviene fuori scena e viene riportato solo dai personaggi che leggono un resoconto sul giornale. Mostrando Chiltern confrontarsi con il Parlamento e prendere posizione, il film enfatizza il suo coraggio personale e politico, portando a un più forte sostegno del pubblico per la sua successiva ascesa al governo e il perdono della moglie.

Un altro cambiamento significativo di enfasi riguarda il fulcro centrale dell'opera: il personaggio a cui si riferisce il titolo. Nell'opera di Wilde, il titolo si applica chiaramente a Chiltern, sebbene sia ironico, riferendosi più alla visione idealizzata che Gertrude ha di lui che al suo ruolo effettivo. Nel film di Parker, tuttavia, il titolo si riferisce principalmente allo scapolo Lord Goring. Mentre l'opera di Wilde si apre con una festa a casa dei Chiltern, il film si apre con Goring (interpretato da Rupert Everett che si riprende da una notte di baldoria, mostrando una giovane donna nuda che esce dal suo letto, e continua con la discussione di Goring con il suo servitore. Un fulcro centrale del film è l'accesso di Goring alla "maturity" eterosessuale.

Paradossalmente, il film di Parker afferma che il destino di Goring è quello di diventare un marito, incastonato nelle norme dell'eterosessualità, inventando una scena potenzialmente omoerotica in un bagno turco. Tuttavia, questa conversazione con Chiltern nel bagno turco si concentra esclusivamente sulle donne, con Chiltern che suggerisce che il suo amico "could always get married". L'opera di Wilde è più ambivalente riguardo all'identità di Goring: viene presentato nelle didascalie come "a flawless dandy" e descritto da Chiltern come "the idlest man in London". I suoi commenti riflettono un atteggiamento scettico nei confronti del matrimonio e una giocosa sovversione dei ruoli di genere, quando afferma alla signora Marchmont: "The men are all dowdies and the women are all dandies, aren’t they?" Goring in seguito dice a Gertrude che Robert "certainly has no secrets from me". L'idea che un uomo sia il custode dei segreti di un altro era carica di significato omoerotico nell'era di Wilde, eppure questo aspetto è diffuso dall'enfasi della versione cinematografica sull'eterosessualità esclusiva degli uomini.

Mentre An Ideal Husband suggerisce parallelismi con il "secret scandal" di Wilde, Earnest è ancora più strettamente legato alle relazioni omosessuali segrete che avrebbero portato allo scandalo molto pubblico di Wilde nel 1895. Come Lord Goring, Algy sembra uno scapolo incallito che insiste sul fatto che "there is nothing romantic about a definite proposal" e che "If ever I get married, I’ll certainly try to forget the fact". L'opposizione di Algy al matrimonio è proclamata in modo più stridente di quella di Goring, aggiungendo all'assurdità del suo improvviso corteggiamento avido di Cecily. Similmente, solo Algy è a conoscenza della doppia vita di Jack, avendo trovato l'iscrizione nel suo portasigarette, e viola la segretezza che Jack cerca di proteggere. Jack insiste, "you have no right whatsoever to read what is written inside. It is a very ungentlemanly thing to read a private cigarette case". La discussione intima sul ‘Bunburying’ nell’appartamento di Algy accresce il senso di cospirazione maschile, e il termine ‘Bunburying’ è stato esso stesso letto da critici come Christopher Craft, quale codice per la sodomia.

L'adattamento cinematografico di Earnest proposto da Parker non inizia nell'appartamento di Algernon, ma nelle strade di Londra, in una scena in cui Algy, inseguito dagli esattori, si rifugia nella carrozza di una donna, per poi uscire di nuovo rapidamente. Fin dall'inizio, quindi, il film stabilisce la cattiva condotta finanziaria come il vizio dominante nelle vite dei suoi protagonisti. Ironicamente, una delle scene nella versione originale in quattro atti eliminata da Wilde e ripristinata dal film di Parker, mostra l'esattore Mr Gribsby che arriva alla casa di campagna di Jack per arrestare "Ernest" per debiti. Mentre Algy si atteggia a Ernest, le mani della legge cadono su di lui e rischia la prigione. Tuttavia, l'enfasi sul debito ha anche l'effetto di distrarre l'attenzione dai temi omoerotici dell'opera e dai legami tra una vita segreta e la trasgressione sessuale.

La traduzione fatta dal film dell'intimità segreta omoerotica in forme di impegno più pubbliche è evidente anche nel cambio di location della discussione di Algy e Jack sul portasigarette e sul Bunburying. Invece di svolgersi in privato nell'appartamento di Algy, il film di Parker ambienta la conversazione in un club per gentiluomini in cui i due uomini si incontrano per caso. Circondato da giovani donne attraenti in abiti scollati, che accendono le sigarette degli uomini e ridono con apprezzamento alle loro battute, l'ansia di Jack sulla sua identità segreta diventa priva di significato quando viene rivelata in pubblico. La scena assicura anche allo spettatore che i "pleasures" che Jack e Algy cercano in città sono di tipo comune o da giardino, mentre vediamo Algy che urla con entusiasmo allo spettacolo audace delle ballerine. L'intimità cospirativa e omoerotica di Jack e Algy diminuisce ulteriormente quando la loro discussione sul Bunburying inizia nella strada fuori dal loro club, con Algy che rimanda la sua spiegazione fino al suo arrivo all'appartamento di Jack il giorno dopo. In generale, la segretezza della relazione tra Algy e Jack, ovvero il senso che si tratti di questioni da discutere solo a porte chiuse, viene sacrificata per una più pubblica esposizione delle loro attività di Bunburying. Nel film di Parker, inoltre, è ad Algy, piuttosto che a Jack, che viene concessa l'anzianità di fratello maggiore, nascondendo il suo ruolo di uomo più giovane nella relazione pederastica tra "an elder [and] a younger man" notoriamente difesa da Wilde in tribunale, come "the love that dare not speak its name".

L'opera di Wilde fu ovviamente celebrata senza attirare le dure critiche che inasprirono l'accoglienza del suo unico romanzo, The Picture of Dorian Gray. Non solo le critiche alla presunta oscenità di questo romanzo danneggiarono Wilde al momento della sua pubblicazione nel 1890; ma fornirono anche prove per l'accusa di Wilde per "gross indecency" nel 1895. Come sostiene Daniel Novak, "If Wilde’s defense was that his novel was only ‘a work of fiction’, then [Sir Edward] Carson attempted to turn Wilde’s fictional body into a photographic body that can be caught in the act". Il processo di trasformazione della finzione in una forma di fotografia può anche descrivere l'arte dell'adattamento e le potenzialità incriminanti di questo processo sono nuovamente presenti nell'adattamento di Dorian Gray fatto da Parker del 2009.

Il film inizia, curiosamente, non nello studio dell'artista, in cui il triangolo omoerotico di Dorian, Basil e Henry si forma per la prima volta nel romanzo di Wilde, ma con Dorian che arriva a Londra, evidentemente un ingenuo di campagna. In questa scena di apertura vediamo Dorian che riceve una proposta da un giovane inquilino, che chiede "Are you looking for someone?" Questa scena riecheggia ovviamente la scena di Wilde, discussa sopra, in cui Oscar riceve una proposta simile. Con questo momento intertestuale, il film di Parker mappa anche l'esposizione sconcertata di Dorian all'omosessualità su quella di Wilde, suggerendo un parallelo tra personaggio e creatore.

Il film è forse l'adattamento più spinto e sessuale di Wilde, inclusa una scena in cui Dorian si offre per una fellatio a Basil Hallward, e rappresenta varie scene di orgia che tracciano la vita di piacere sessuale di Dorian. Tuttavia, la maggior parte dell'attività sessuale rappresentata nel film è eterosessuale, e le principali relazioni di Dorian sono con Sibyl Vane e, in seguito, una relazione inventata con la figlia di Henry Wotton, Emily. Il film di Parker eviscera le scene iniziali del romanzo in cui Basil confessa il suo amore per Dorian. Non c'è alcuna discussione tra Basil e Henry sul suo incontro fatale con il giovane, e nessuna espressione della paura che "I have put too much of myself into it [the painting]". Al contrario, piuttosto che insistere (come fa nel romanzo) che non esporrà il dipinto perché "I have shown in it the secret of my own soul", Basil posiziona immediatamente il ritratto completato sul muro per l'ammirazione di un gruppo di spettatori. Come nell'adattamento di Earnest proposto da Parker, questa interpretazione di Dorian Gray implica che i personaggi maschili centrali non hanno nulla da nascondere e che una "life of deception" non è più – come sostiene Lord Henry – "absolutely necessary". Si potrebbe affermare che il film di Parker riflette la maggiore apertura sessuale del ventunesimo secolo, rifiutando la torturata segretezza dell'omosessualità vittoriana. Tuttavia, l'effetto di questa strategia è quello di rimuovere quasi tutti i riferimenti omosessuali dal romanzo di Wilde, inclusa l'affermazione che "Dorian’s friendship [is] so fatal to young men".

I recenti adattamenti della vita e delle opere di Wilde — a partire da Wilde del 1997, un secolo dopo la scarcerazione di Wilde — dimostrano un paradosso sulla sua accoglienza e rielaborazione ai nostri tempi. Da un lato, questi film hanno riportato Wilde alla ribalta, esercitando una rinnovata attenzione popolare alla sua vita e alle sue opere principali. Tuttavia, questo abbraccio di Wilde da parte del cinema mainstream è avvenuto a costo di sacrificare gli aspetti più criptici e trasgressivi della sua rappresentazione dell'identità sessuale. Lo "scandalo" della vita di Wilde è enfatizzato nel film di Gilbert, ma le dimensioni omoerotiche delle opere principali di Wilde sono troncate o abbandonate negli adattamenti di Parker. Naturalmente, i cambiamenti apportati alle opere letterarie dagli adattamenti cinematografici sono una parte inevitabile di questo processo culturale, che riflette i mutevoli atteggiamenti nei confronti della vita e delle opere di un autore. Come sostiene Linda Hutcheon, “Time, often very short stretches of it, can change the context even within the same place and culture so that time too changes meanings”. Tornando alla mia domanda originale su cosa avrebbe pensato Wilde di quasi cento anni di rappresentazioni visive della sua opera, si può immaginare una risposta che riecheggia quella di Lord Henry: "there is only one thing worse than being adapted, and that is not being adapted".

Note

Per approfondire, vedi The Importance of Being Oscar e Life, works, places and related topics.